Искусство продакшна: Joe

Во-вторых, Joe опровергает предположение о том, что авангардная танцевальная музыка неизбежно «серьезная». В той или иной степени, его коллеги продолжали исследовать эстетику, предполагающую художественную серьезность и чувство глубины. А звук Joe, с другой стороны, остается оптимистичным и приземленным.

Его треки всегда привлекают слушателя. Большая часть музыки Joe пронизана игривым чувством юмора, которое создает странно интимную динамику на танцполах. Нередко он ломает четвертую стену. Например, в момент выдергивания аудио кабеля из «Punters Step Out», или когда «Club Scared» буквально бросает вызов слушателю, заставляя его поставить под сомнение структуру танцевальной музыки.

За последнее десятилетие у Joe было немного интервью, но он всегда великодушен и очень красноречив в общении, рад поговорить вдумчиво и подробно на широкий круг тем. Когда я посетил его лондонскую студию, я обнаружил, что он — сверхъестественно организованный продюсер. У него очень сложный, но хорошо оптимизированный программный рабочий процесс, который совмещается вместе несколько DAW одновременно. Мы внимательно рассмотрели, как он организует и руководит своими многослойными проектами, подробно поговорили о функции юмора в танцевальной музыке и о недооцененной важности человеческих взаимоотношений с продюсерами-одиночками.

Из всех артистов, с которыми я разговаривал, ты явно прикладываешь больше всего усилий в оптимизацию своего рабочего процесса. В смысле создаешь собственные горячие клавиши и так далее.

Я хочу, чтобы у меня в компьютере все было максимально оптимизировано. Частично это связано с необходимостью уметь быстро воплощать идеи. Хотя я до сих пор не все оптимизировал. Всегда есть над чем работать, не в последнюю очередь потому, что существует так много способов достижения одного и того же в технологическом смысле. Я имею в виду работу с маршрутизацией и так далее. Самый простой пример: ты можешь навесить реверб прямо на канал или на посыл.

В последние годы я привык использовать одну и ту же партию на нескольких инструментах одновременно. Поэтому я программирую только одну MIDI-партию и направляю ее сразу на несколько дорожек. На этих дорожках у меня висят разные плагины, которые можно сводить как душе угодно. Я предпочитаю такой способ работы дублированию MIDI-партий, потому что это просто экономит рабочее пространство на экране и в моей голове. Это еще одна вещь, о которой нужно думать. Я знаю, что в большинстве DAW есть подобный функционал, но считаю, что этот процесс реализован наиболее быстро и понятно в REAPER, моей основной DAW.

Помимо быстрого воплощения своих задумок, я хочу, чтобы у меня была возможность контролировать уже изложенные идеи. У тебя есть ограниченное двумерное пространство, в котором тебе нужно уметь перемещаться и изменять масштаб, опять же, как можно быстрее и точнее. К тому же, лучше научиться убирать различные компоненты программы, когда они загромождают твой обзор, или добавлять инструменты и дисплеи, когда это необходимо.

Даже тот факт, что ты работаешь на экране, очень легко забыть, но это важно. Люди нашего поколения, грубо говоря, выросли за экранами, и поэтому мы воспринимаем это виртуальное двумерное пространство как должное. Чем больше твой экран, тем лучше. Чем выше у него разрешение, тем лучше. В разумных пределах, конечно же. Есть даже исследования на эту тему, которые показывают, что люди работают более продуктивно, если у них большие экраны. Мне кажется, что это имеет смысл даже на интуитивном уровне. Ты используешь компьютер как продолжение своего разума. В то же время вся сила компьютера заключается именно в том, что он может максимально гибко взаимодействовать с человеком, как ничто другое в реальном, физическом трехмерном пространстве.

Как ты пришел к REAPER? Это не самая популярная DAW в танцевальной музыке, даже несмотря на то, что она гибче многих более известных конкурентов. И я так понимаю, ты также соединяешь ее с другими DAW?

Это результат моего личного путешествия в области программного обеспечения. REAPER отлично подходит мне. Но важно понимать, что я пользуюсь не только этой программой. Последние пару лет я интегрирую ее с другими DAW с помощью ReWire. Я пытаюсь взять все самое лучшее из всех миров. Например, я часто использую старую версию Reason для быстрого наброска партий ударных, которые затем перенаправляю в REAPER. Так же я направляю туда и Ableton Live.

Все это выросло из моего увлечения компьютерами. Я рос в их окружении и даже занимался DIY-программированием или хакерством. В смысле я ничего не взламывал, просто постоянно возился с кодами, пытался заставить их работать. Некоторое время я занимался веб-разработкой, а это означало, что я весь день проводил за компьютером. Именно тогда я понял: «Я провожу всю свою жизнь перед этой штукой, так почему бы мне не скрасить это времяпрепровождение и сделать его максимально удобным».

Сейчас большую часть времени я смотрю в REAPER. Это место, где происходит фбольшая часть маршрутизации и сведения, это центр всего сетапа. Следующим по частоте использования стоит Reason, а еще реже — Live. В Live заложен довольно большой функционал, но мне он не особо интересен. Я не до конца разобрался, как правильно работать в режиме «Session» и с его клипами. Итого, это уже три DAW, с которыми я работаю. Кроме того, меня заинтриговали Bitwig Studio и Presonus Studio One, в которой, если я не ошибаюсь, работает Джек Untold.

Что ты думаешь о нашей способности делиться своим опытом в области продакшна? Люди часто ищут какие-то конкретные техники написания музыки, которые они могли бы использовать в своей работе. Но полезно ли разбивать на составляющие процесс, если они возможно имеют смысл только как единое целое?

Касательно процесса написания музыки, многое из того, что на самом деле видно или презентабельно трудно в должной мере передать другому человеку. Хотя так можно сказать про все виды рабочих процессов и другие формы искусства. Даже если ты вслух описываешь все, что делаешь, очень много остается у тебя в голове. Если законченное музыкальное произведение представить, как картинку, то изучение процесса его создания можно сравнить с увеличением изображения до тех пор, пока ты не увидишь бессвязный набор пикселей. Дело в том, что сами по себе отдельные кирпичики не обязательно имеют смысл. Только законченное произведение в целом.

Например, мне может казаться, что у меня есть проблемы с гармонией, мелодией и аранжировкой, а с ритмом все нормально. И почти наверняка для меня было бы полезно поработать над улучшением своих навыков в этих областях. Но на разных этапах написания может оказаться на удивление неэффективным решать только одну проблему изолированно. Очень важно понимать, что в конечном счете все взаимосвязано.

Как можно рассказать о каком-то одном процессе написания музыки людям? В конечном итоге, когда ты разбиваешь всю работу на части и рассказываешь про отдельные компоненты, скорее всего будет очень скучно. «Ну, я написал четырехтактную петлю для этого синтезатора, потом я скопировал ее несколько раз, немного разнообразил, но мне не понравилось, поэтому я все поменял», — как-то так.

Ты выстраиваешь композицию прямо на ходу, или у тебя есть какой-то план?

Сейчас я больше думаю о треке, прежде чем приступить к работе над ним. В каком-то смысле, ты можешь сделать куда больше в дали от компьютера, чем за ним. Это может быть что-то простое, например, идея соединить бразильский джаз-фьюжн, который, как мне кажется, уже представляет собой смесь нескольких музыкальных направлений и, не знаю, тек-хаус или что-то в этом роде. По сути, вопрос звучит так: «Могу ли я сделать танцевальную версию жанра X?» Другой пример генерации идей вне компьютера — это настукивание ритмов руками или хреновый битбокс во время прогулки по улице, который я записывают на свой телефон, чтобы получить точку отсчета для ритма.

Так или иначе структура трека формируется довольно скоро после того, как у тебя появляется хоть какой-то зародыш идеи. Будь то ритм или мелодия, максимум пара элементов. Из этого вырисовывается более полная картина. У меня такая тенденция сформировалась со временем благодаря моей интуиции и, осмелюсь это сказать, просто потому что я стал лучше в написании музыки. При чем под более полной картиной я не подразумеваю абсолютное понимание того, каким будет трек в итоге. Скорее всего это просто предположение о том, что делать дальше. А это всегда полезно, будь то идея о том, какой барабанный рэк выбрать, или в каком настроении развивать трек, или даже о структуре или стиле аранжировки.

Даже в таком широком диапазоне потенциальных возможностей, очевидно, я все еще склоняюсь повторять какие-то свои решения. Но я думаю, что частично это делает мою музыку такой, какая она есть, по крайней мере, на данный момент. По разным причинам подобные тенденции в моем творчестве со временем меняются довольно медленно. Они просто основаны на чем-то более глубоком. Это банально сложнее быстро изменить, например, это опыт работы с разными музыкальными стилями или знание гармонии и мелодии. Кроме того, никто не исключал твой личный вкус и общие взгляды на мир.

Твоя музыка часто находится на стыке разных музыкальный направлений. К примеру такой трек, как «Tail Lift», является смешением джаз-фьюжн-тропикалии и хауса. Ты намеренно стремишься создавать подобные невероятные жанровые гибриды?

Не совсем. Иногда кажется, что это происходит само по себе, когда я над чем-то работаю, но недавно я попытался осознанно смешать разные стили. У меня в голове возникла мысль, что один проект лучше сделать смесью стилей X и Y. Но я ничего не знал о Y, поэтому я подумал, что нужно взять и послушать несколько треков, чтобы понять, как я смогу сымитировать то или иное. Это не стилизация, потому что я не пытался высмеять этот стиль. Это просто попытка получить какое-то влияние из этих разных музыкальных миров, чтобы лучше объединить их.

Наверно, я говорю очевидные вещи, но очень важно сделать все так, чтобы это работало. Это должно быть хорошо. Не какая-нибудь муть, когда ты тупо закидываешь аккордеон на кик 4/4 — хотя, если подумать, это звучит интересно.

Кстати, нередко интересные результаты получаются у людей, которые не концентрируются на каком-то одном жанре, пробуют разный звук. «Beyond» от DJ Marley Marl — хороший тому пример. Он крупный хип-хоп продюсер, но у него есть несколько хаус-пластинок. Я не слушал ни одного его хип-хоп трека, но «Beyond» настолько жирный, в хорошем смысле, жесткий и простой.

Я чувствую, что это в некоторой степени применимо и к тому, что я делаю. Я не думаю, что привязан к какому-то определенному жанру или стилю. Более того, мне не кажется, что у меня достаточно опыта прослушивания танцевальной музыки. Так что идея имитировать или вдохновляться вещами, о которых у меня есть только поверхностные знания, не кажется мне такой странной. В этом есть свои плюсы и минусы. Весьма интересно, как стили, жанры или сцены видоизменяются со временем, потому что каждая новая итерация основана на неполном представлении предыдущей, но, наверно, об этом лучше в другой раз.

Для меня одной из определяющих черт твоей музыки является чувство юмора. Что ты думаешь о комичности в своей работе?

Есть несколько мнений на счет юмора в музыке. С одной стороны, это целый спектр возможностей от добавления чего-то броского и запоминающегося в свою работу до создания чего-то совершенно нелепого и торчащего, как больной палец. Так я отношусь к юмору в треках. Мы уже немного говорили о переходах между различными частями трека, и ты упомянул момент выдергивания аудио кабеля из «Punters Step Out». Я сказал, что это именно то, что можно назвать фишкой или очень выделяющимся украшением. В подобных фишках может быть элемент юмора. Но на мой взгляд, с этим очень легко перестараться. На один трек — одна фишка. Хотя, все зависит от обстоятельств. Есть артисты, у которых это отлично получается, например, Bruce и Objekt. Но для того, чтобы все звучало хорошо, требуется довольно много мастерства.

Я считаю, что сдержанность важна. Потому что, если что-то в треке заставит тебя отвлечься, улыбнуться и сказать: «О, Боже!», — это ок. Но если это происходит слишком часто, уже не смешно. Вся основа юмора или комедии — это, по сути, игра с ожиданиями.

С другой стороны, юмор в музыке — это моменты, которые западают людям в голову. Подобные моменты привлекают внимание по разным причинам. Это не значит, что запоминаемость создается только юмором. Есть еще множество различных способов. Но один из вариантов сделать что-то броское — это быть на грани смешного, может даже глупого. Слушатель улавливает это, но важно не переступить черту, когда все превращается в клоунаду или что-то типа того. Это способ привлечь внимание людей. Довольно много моих треков как раз выдерживают этот баланс между слишком глупым звучанием с одной стороны, и слишком сдержанным с другой.

Это заставляет меня задуматься о партии лида в «Punters ...», да и в саксофоне в «Slope» есть что-то подобное.

Да, бенд лида в «Punters…» — хороший пример. Когда высота звука повышается и опускается, создается такая морская атмосфера карнавального органа. Похожий прием на некоторых клавишах я использовал в «Tail Lift». Стоит сказать, что мне всегда нравится играть с регулятором высоты тона, удерживая аккорд. Это немного похоже на рычаг тремоло на гитаре.

Я бы добавил в этот список трек Skream «Midnight Request Line». Особенно это касается мелодической части. Когда я впервые услышал ее, я подумал, что звучит музыка из компьютерной игры с привидениями, но при этом в треке было что-то серьезное. Он тяжелый, но в нем есть дерзость.

Юмор также может перейти в область эксцентричности. Это может касаться звуков, стилей и образов, которые не обязательно очевидно комичны. В эту категорию попадает куча релизов на Cómeme, например, Christian S «Jagos». Barnt тоже.

Еще есть минимал тек-хаус трек, трибьют DJ Koze Майклу Смиту [«Mi Cyaan Believe It»]. Смит — это даб-поэт, а Козе просто наложил его голос на этот глупый бит. Не думаю, что это должно быть смешно, но это странно. Странно, но очаровательно, захватывающе и обманчиво просто.

Это и привлекает меня в минимале. Действительно по минимуму элементов, которые почти ничего не делают. Это типа: «Черт возьми, это просто повторяется из раза в раз», и это довольно забавно. Я не уверен, что так задумано, или вряд ли минимал-продюсеры скажут: «Послушай, здесь все просто повторяется из раза в раз, вот прикол!» Очевидно, люди любят этот жанр за его гипнотичность. Мне это тоже нравится. Есть еще один трек DJ Koze под названием «I Want To Sleep», который в основном представляет собой повторяющийся минималистичный бит со случайными небольшими всплесками шума, которые изредка дают о себе знать. По-моему, Виллалобос сыграл этот трек, когда я впервые пошел в Fabric. Этот шум, он забавный. Как-будто маленькое существо выскакивает из-за плеча диджея и кричит: «Привет!» В целом, когда дело доходит до юмора, трудно найти правильный баланс.

Я лично связываю эту юмористическую жилку с идеей о том, что ты как продюсер ломаешь четвертую стену. Это особенно очевидно в треке вроде «Club Scared», где ты превращаешь танцевальную музыку в своего рода мета-комментарий, разрушая барьер между собой и слушателем. Погрузимся в эту тему немного глубже: ты весьма интересно используешь шум.  В таких треках, как «Claptrap», он будто способствует чувству близости и комфорта.

Я использовал шум чисто технически, чтобы склеить микс воедино. Обычно, если ты записываешь живые инструменты на такой носитель, как магнитная лента, в записи всегда будет присутствовать фоновый шум, а в микрофоны будут просачиваться посторонние сигналы. Не говоря уже о всех шумах аналоговых компонентов в пульте и остальном оборудовании. Он помогает склеить весь микс. Шум также является частью среды, в которой ты слушаешь музыку.

Когда ты сидишь в хорошей студии с правильной акустикой, твой трек может звучать очень сухо, искусственно и странно, если у в нем нет нужного количества реверберации. Он может хорошо транслироваться в некоторых клубах, потому что там есть фоновый шум и настоящая реверберация комнаты — большинство клубов совсем не похожи на безэховые камеры. Так что, если ты не используешь много реверберации, тебе может помочь шум. Кстати, сейчас я использую меньше шума, чем раньше, потому что теперь я работаю с ревербом по-другому. Будь то реверберация или шум, если ты используешь его тонко, то сможешь добавить немного воздуха в микс, который приятен и в студии, и для домашнего прослушивания, но в клубе он не имеет большого значения.

Один из примеров вне музыки — это использование телекоммуникационными компаниями так называемого комфортного шума. При разговоре звук скомпрессированной речи может резко выпрыгивать из цифровой тишины, что было бы неудобно для слушателя и могло бы напугать его. Поэтому к твоим телефонным звонкам добавляется искусственный фоновый шум. Примерно так я отношусь к использованию шума. Конечно, Burial, вероятно, самый известный сторонник использования звуков дождя и винилового треска, но они имеют такой же успокаивающий эффект.

В твоей дискографии были некоторые пробелы во времени. Беспокоят ли тебя перерывы в работе?

Мне нравится быть занятым. Мне не по себе, если чувствую, что у меня нет планов или целей. Если мне кажется, что я недостаточно работаю, я беспокоюсь и начинаю напрягаться. Я всегда стараюсь справляться с этим беспокойством, но для меня это определенно источник негатива.

Когда я учился в период с 2014 по 2016 год, я оторвался от написания на целых 18 месяцев. У меня не было даже концертов. Тогда вышла пластинка, которую я написал заранее, — эдит на Бобби Макферрина на лейбле Four Tet. В течение первых нескольких месяцев я чувствовал облегчение от отсутствия постоянной необходимости что-то писать. Мне казалось, что я могу навсегда отойти от музыки. Но позже я понял, что мне ее не хватало, и что есть часть меня, которая ищет творческого выхода. Спустя некоторое время я отчаянно пытался заняться чем-нибудь связанным с музыкой. Просто дайте мне пошаговый секвенсор, чтобы я мог настукивать какие-нибудь ритмы! Это своего рода клише, как поиск причины, по которой ты влюбился в музыку. А все, что тебе нужно — это четыре дорожки, пошаговые секвенсоры и несколько драм-машин, чтобы получить доступ к неограниченному миру возможностей.

Тем не менее, если у меня подряд несколько концертов, и я ничего не пишу в течение двух недель или месяца, меня это полностью устраивает. Приятно использовать возможность отдохнуть от продакшна. Я верю в идею, что ограничение количества времени, которое я трачу на написание музыки, в некоторой степени поддерживает мою мотивацию. Не уверен, что смогу работать в студии по 40 часов в неделю.

Ты знаешь про книгу «Путь художника»? Я не читал, но слышал о концепции наполнения внутреннего колодца, из которого мы черпаем, когда занимаемся творческой деятельности. Так что, если ты чем-то долго занимаешься, тебе нужно найти источник вдохновения. В моем случае это означает слушать музыку, танцевать под нее, видеть, как другие люди кайфуют под нее, играть ее. А уже потом какие-то другие источники, вроде чтения, искусства или простой прогулки. Так что ограничивать время для написания музыки — это нормально.

Ты когда-нибудь сомневался в своем выборе профессии?

Иногда в этом отношении я чувствую себя не в своей тарелке. Приношу ли я какую-либо пользу? Наверное, все не так уж и плохо, если не считать того, что я мог бы заниматься чем-то более стоящим. Но с другой стороны, я вижу важность и силу культуры и музыки. По крайней мере, мы можем предположить, что музыка и культура иногда — это хорошо. Особенно если подойти к вопросу далекого будущего с идеалистической точки зрения и задаться вопросом: «Что бы мы сделали, если бы все проблемы мира и людей были решены?» Возможно, мы могли бы предположить, что культура выйдет на первое место, а это в некотором роде цель. Это возможность.

Еще один важный момент заключается в том, что мне нужно зарабатывать на жизнь, и я стараюсь делать это с помощью музыки. Коллеги подсказали мне, когда дело доходит до релизов, можно выпускать куда меньше, чем ты думаешь, чтобы сохранить достойную карьеру. Все деньги по сути поступают с диджеинга. А чтобы попасть на выступления, можно сказать, что такие вещи, как радио-шоу, выпуск миксов или наличие тысяч подписчиков в Instagram, не менее важны, если не более важны, чем выпуск пластинок. Все это играет роль. Так что я чувствую некоторое давление, заставляющее меня выпускать музыку, пусть редко. Мне кажется, что нужно выпускать по крайней мере пару записей в год, но я всегда буду уделять большее внимание качеству, а не количеству.

В каком-то смысле было бы неплохо, если бы я мог выпускать кучу отличных пластинок, скажем, шесть 12-дюймовок в год. Представь, какая была бы дискография! Но меня не отпускает чувство легкой безнадежности по поводу идеи внести слишком большой вклад в и без того огромный каталог записанной музыки по всему миру. Ее и так много, и есть еще куча людей, которые умеют сочинять отличную музыку. Так что никому не нужно так много выкладывать.

Одними из недостаточно освещенных аспектов продакшна является важность человеческих взаимоотношений. Так ли важно помнить об этом, учитывая, насколько изолированным может быть современный продюсер?

Очень важно. В моей жизни есть много других людей, которые сыграли решающую роль в моей профессии. Людей, с которыми я был близок, родителей, партнеров. По сути, даже тот факт, что у меня просто есть возможность работать над музыкой, означает, что меня поддерживали и вдохновляли люди, которые заботились обо мне. Учитывая, что я не слишком много выпускаю релизов, мне кажется особенно важным общаться и показывать, что я благодарен этим людям и нашим отношениям.

В мире программирования есть так называемый «метод утенка», который представляет собой метод устранения неполадок. Если у тебя возникла проблема, прежде чем обращаться с ней к другому человеку, чье время очевидно важно, сначала пойди и спроси резинового утенка. Нельзя просто подумать о вопросе в своей голове, нужно пойти и задать его вслух. Так люди будут тщательнее обдумывать то, что хотят спросить. А как только они зададут вопрос утенку или даже раньше, они поймут ответ. Работает безотказно. У тебя в голове вопрос, но как только ты его произносишь, у тебя появляется решение. У тебя всегда был ответ, но ты должен был пройти через весь процесс озвучивания проблемы или постановки вопроса более осознанным образом, чтобы ответить на него.

Гипотетически я бы не смог взять у себя интервью, потому что откуда возьмутся мотивация и вдохновение, когда ты просто общаешься с собой изолированно? Я понял, что осознание того, что ты с кем-то разговариваешь и что между вами есть какая-то взаимосвязь, очень важно для меня во многих смыслах. Это мета-пример, потому что он об этом интервью. А студия — это изолированное место для работы. Ты сам по себе. Ты можешь быть чрезмерно строг к себе как продюсеру, почувствовать, что ты соревнуешься сразу со всеми. Ты сам себе самый большой критик. Когда ты работаешь в одиночку, чуть ли не самое важное, что мотивирует тебя — это осознание того, что твоя работа, может повлиять на людей. На самом деле важно напоминать себе об этом.

Это еще одно клише, но тебе, как продюсеру, нужно просто расслабиться. Творить легче, когда ты меньше паришься о результате в меритократическом смысле. Просто старайся ценить свое творение за то, что оно есть и как оно может взаимодействовать с людьми.